Dopo la formazione artistica avvenuta tra le accademie di Palermo e di Firenze, nel 1946 Carla Accardi si trasferisce a Roma. Nella capitale italiana la Accardi prende parte ai circoli e frequenta artisti e intellettuali, tra cui Attardi, Dorazio, Guerrini, Perilli e Turcato, con i quali è firmataria del manifesto del gruppo Formula 1. Negli anni seguenti il linguaggio artistico della Accardi si sintetizza sempre più avvicinandosi all’astrattismo. Attorno agli anni Sessanta la sua ricerca sposa le nuove tendenze optical e inizia a sperimentare supporti alternativi a quelli tradizionali, dipingendo su plexiglass e ricercando un’interazione tra l’opera, lo spazio e la luce. Negli anni Ottanta la sperimentazione si sposta ancora, soffermandosi adesso sul colore, creando contrasti cromatici ma ritornando ad un supporto più classico come la tela. Numerosissime le mostre in cui ha esposto, tra cui la Biennale di Venezia nel 1964, 1976 e 1978, per la quale, nel 1997, diventa consigliere della Commissione.

Alighiero Boetti inizia la sua produzione artistica sul finire degli anni Sessanta, nella cerchia degli artisti dell’Arte Povera. Le sue opere rispecchiano la sua personalità caleidoscopica, spaziando tra i supporti ma mantenendo come fil rouge il tema dell’inesorabile scorrere del tempo. Molti suoi lavori consistono infatti nella ripetizione di “esercizi”, segni, formule matematiche e schemi per cercare di quantificare fenomeni non quantificabili per l’uomo; strutture di pensiero che ritroviamo quotidianamente nella nostra vita. Il suo interesse per il sud del mondo lo porta a far realizzare da ricamatrici Afgane alcune delle sue opere più celebri, quali le Mappe, grandi arazzi colorati realizzati nel corso degli anni, tramite le quali si possono registrare i mutamenti geopolitici del mondo. È più volte presente alla Biennale di Venezia, con una sala personale nel 1990 e con un omaggio postumo nel 2001.
Boetti ha influenzato generazioni di artisti e le sue opere sono presenti nelle collezioni dei più importanti musei al mondo.

Dopo la laurea alla Slade School of Art di Londra, la Brown si trasferisce a New York dove attualmente vive e lavora. La sua arte risente dell’influenza dell’espressionismo, sia da un punto di vista cromatico che nella crudezza con cui i temi vengono presentati. Le masse evanescenti dei corpi raccontano in maniera schietta la vita, con riferimenti espliciti sia all’erotismo che alla caducità dell’esistenza. In Cecily Brown è labile il confine tra figurazione e astrazione, e le sue figure tese e talvolta violente si riconoscono ed emergono dal gorgo di colore solo dopo un primo sguardo in cui si notano le vibranti pennellate. Cecily Brown ha esposto nei musei quali il MACRO di Roma nel 2003, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía di Madrid (2004) e il Museum of Fine Arts di Boston (2006).

Laureato in medicina, Burri diventa medico dell’esercito italiano durante la Seconda Guerra Mondiale. Durante il conflitto viene fatto prigioniero e portato negli Stati Uniti d’America, dove inizia ad avvicinarsi alla pittura. Tornato in Italia dopo la fine delle ostilità belliche, nel 1951 partecipa alla fondazione del gruppo Origine, dando avvio alla ricerca sulla materia tramite la serie dei Gobbi, delle Muffe ed i Sacchi, che prosegue con le combustioni, nelle quali l’artista brucia in maniera controllata materie plastiche. La deformazione del materiale, considerato alla stregua della pittura ad olio, lascia trapelare la drammaticità dell’orrore della guerra e dei suoi risvolti esistenziali. Negli anni Settanta approda alla serie dei Cretti, dove le superfici vengono a creparsi e aprirsi. Quest’ultima serie diventerà, con il passare del tempo, sempre più monumentale fino ad arrivare a coprire l’intera superficie del paese di Gibellina, in Sicilia, protagonista del tragico terremoto nel 1968.

Nato in Grecia da genitori italiani ed estremamente affascinato dalle opere dello svizzero Arnold Bocklin – che coniugano la classicità italiana al romanticismo tedesco – Giorgio de Chirico, fa della sua arte un punto di incontro tra la mitologia greca e la filosofia di Nietzesche. Già nei dipinti degli anni Dieci le citazioni del filosofo tedesco sulle piazze italiane si sposano con atmosfere oniriche, dando origine alla serie delle Piazze d’Italia: spazi deserti dipinti in una calda luce mediterranea, che ci inganna nel cercare di definirne la collocazione temporale e con numerosi punti di fuga, distraggono l’occhio intento nel decifrare la giusta lettura dell’immagine. Questa caratteristica del rebus, dell’enigma, si rinforzerà dopo il 1917, quando de Chirico diventerà uno dei fondatori della metafisica insieme al fratello Alberto Savinio e a Carlo Carrà, in cui gli elementi classici dialogano con oggetti quotidiani, sullo sfondo di atmosfere misteriose e oniriche.

Nel lavoro di Olafur Eliasson, artista danese di origini islandesi, il pubblico viene posto al centro dell’opera. Le sue opere diventano significative solo nell’incontro con i visitatori, per ciascuno dei quali acquisiscono un significato diverso, legato appunto all’unicità della visione e della percezione del singolo. Le impressioni di ciascun soggetto vengono quindi a confrontarsi con i sistemi tecnologici che mettono in scena fenomeni naturali, rispecchiando l’attenzione dell’artista per le problematiche ambientali odierne, come lo scioglimento dei ghiacciai o l’incremento continuo dell’inquinamento. L’arte diviene stimolo di riflessione entrando in contatto diretto con essa. E l’osservazione dell’arte, peculiare per ogni essere umano, è oggetto della continua ricerca dell’artista, concentrato sull’equilibrio tra la sfera emotiva e quella percettiva.

Nome di spicco della pop art romana, Tano Festa abbraccia nella sua arte anche soluzioni vicine al mondo new dada, attraverso l’uso di supporti e materiali differenti. L’opera in mostra viene realizzata in uno degli anni di svolta per Festa il quale, proprio nel 1961, organizza la sua prima mostra personale presso la galleria La Salita di Gian Tomaso Liverani a Roma e, seguita nello stesso anno dalla partecipazione alla XII edizione del Premio Lissone. In seguito i suoi lavori spaziano anche nella reinterpretazione dei grandi autori della tradizione rinascimentale italiana, riletti in chiave pop attraverso l’utilizzo di elementi rubati al mondo della grafica pubblicitaria, oltre a soggetti reinterpretati dalla tradizione italiana e rinascimentale. Invitato nel 1980 alla Biennale di Venezia, muore otto anni dopo a seguito di una lunga malattia.

La carriera artistica di Renato Guttuso inizia prestissimo e fin da subito rivela il suo carattere sociale, di impegno morale e politico. Per Guttuso l’arte deve rappresentare l’adesione alla vita, alle fatiche e alle lotte delle classi più deboli e sottomesse. La pittura penetra la realtà osservata per poi ricreare, sulla tela, un suo equivalente capace di trasmettere “la quantità di carne viva” che in essa pulsa. L’artista diviene così capace di gestire l’orrore e la violenza, sfruttandone la forza comunicativa ed accompagnandola con l’informale, suscitando un’empatia emozionale attraverso l’astratto ma non abbandonando mai il linguaggio figurativo realista.

Protagonista della scena artistica francese e internazionale a partire dagli anni ’90, Pierre Huyghe realizza opere che spaziano dalle installazioni alla fotografia, approdando alla creazione di una rivista e al cinema. La sua ricerca si concentra sulla veridicità dell’immagine attraverso le sue molteplici letture, e su come queste possano influire sulla realtà. Nell’idea di Huyghe non è l’immagine ad essere esposta al visitatore ma il suo contrario, nella ricerca di una interazione tra osservatore, opera e spazio circostante. Il momento espositivo diviene parte del percorso artistico, facendo emergere nuove realtà in linea con l’idea che la relazione, ricercata sia con collaborazioni artistiche ma anche di intere comunità, offra l’opportunità di un dinamismo artistico frutto della relazione interpersonale e del dialogo sociale. Le sue opere sono state esposte nei maggiori musei del mondo dal LACMA di Los Angeles nel 2014, al Ludwig Museum di Cologna nello stesso anno, al Centre Pompidou (2013), al Reina Sofía di Madrid (2010), alla Tate Modern di Londra (2006), al Castello di Rivoli (2004). Nel 2001 ha ricevuto il premio speciale della Biennale di Venezia per il Padiglione Francese.

Artista di origine greca naturalizzato italiano, è stato uno dei principali esponenti dell’Arte Povera. Attraverso l’utilizzo di materiali di scarto Kounellis crea installazioni artistiche volte ad espandersi oltre i limiti fisici del quadro, imbastendo un legame tra l’opera e l’ambiente circostante. Inserisce inoltre nella propria arte elementi naturali come il fuoco, l’acqua e le pietre che offrono al visitatore non solo esperienze visive ma anche olfattive e sonore, in particolar modo facendo uso della trasformazione dei materiali attraverso la combustione.  Egli non abbandona comunque riferimenti alla tradizione classica, legata alle sue origini greche e alla città d’adozione, Roma. Questo legame con il passato si fa ancora più significativo dato il suo difficile rapporto con il presente, dando vita a opere che rappresentano varchi temporali, come porte. Nel 1972 partecipa per la prima volta alla Biennale di Venezia, esponendo in seguito in svariate mostre e realizzando importanti installazioni di arte pubblica in tutto il mondo.

Dopo essere rimasto ferito durante i combattimenti della Prima Guerra Mondiale, Osvaldo Licini trascorre parte della convalescenza a Parigi, dove entra in contatto con Pablo Picasso, Jean Cocteau e Amedeo Modigliani. Il suo lavoro nel corso degli anni risente di differenti influenze, spaziando da uno stile più naturalista fino a quello che lui stesso definisce “fantastico”, e mantenendo una tavolozza simile a quella di artisti come Klee e Miró, fatta di blu violacei e colori primari in contrasto con contorni scuri. Nei primi anni Venti espone in Francia al Salon d’Automne e al Salon des Indépendants, per poi essere chiamato a partecipare a Milano alle prime due edizioni della Mostra del Novecento Italiano curata da Margherita Sarfatti. La sua carriera prosegue con successo e lo vede portare la sua arte in diverse sedi nel mondo. In occasione della XXIX Biennale d’arte di Venezia gli viene dedicata un’intera sala dove, con un allestimento di Carlo Scarpa, espone 43 opere e riceve il Gran premio internazionale per la pittura.

Dopo gli studi scientifici e una laurea in ingegneria elettrotecnica, Melotti si dedica alle arti conseguendo il diploma di pianoforte e frequentando corsi d’arte a Torino e in seguito Brera, dove studia assieme a Lucio Fontana. Nel 1935 aderisce al movimento Abstraction-Création, fondato a Parigi alcuni anni prima, con lo scopo di promuovere e diffondere l’opera degli artisti non figurativi, e partecipa alla prima mostra collettiva di arte astratta a Torino assieme al gruppo degli astrattisti milanesi. Le opere scultoree di Melotti sono il risultato di un pensiero che si traduce sulla materia come pura forma, in una sorta di “astrazione musicale”. La ricerca di Melotti verte, infatti, sulla volontà di tradurre in scultura la musica, con i propri suoni e le pause, che divengono nella forma pieni e vuoti. Durante la Seconda Guerra Mondiale inizia a lavorare come ceramista, attività che lo accompagna nella maturità ma che lui porta avanti solo per sostentamento, sebbene la critica consideri le sue produzioni in ceramica tra le migliori espressioni del Novecento italiano.

Nome di rilievo tra i pittori astratti italiani del dopoguerra, il genovese Plinio Mesciulam entra a far parte tra il 1952-1955, del comitato MAC (Movimento Arte Concreta), incentrato sulla ricerca del rapporto tra segno, colore e forma, con il tentativo di distaccarsi dall’egemonia dell’immagine figurativa. Le sue ricerche astratte vengono però ben presto messe in discussione, e i suoi lavori si tingono di nero. Si dedica dunque allo studio dell’arte seicentesca e approfondisce le tematiche bibliche del Nuovo Testamento, mentre le sue opere diventano sempre più materiche. A cavallo tra gli anni ’60 e ’70 rimane attratto dalla forza comunicativa delle immagini pubblicitarie, e inizia a lavorare anche con fotomontaggi capaci di fornire nuove prospettive, soprattutto in rapporto con l’architettura. La sua ricerca proseguirà lungo tutta la sua vita e le sue opere troveranno spazio nelle collezioni nazionali e estere.

Formatosi all’Accademia di Belle Arti di Bologna assieme a Osvaldo Licini e Severo Pozzati (Sepo), Morandi sviluppa fin da subito un linguaggio espressivo che trae ispirazione dall’ambiente domestico quotidiano. Pur non disdegnando soggetti quali paesaggi e ritratti, è tra le celebri bottiglie e le nature morte dai toni terrosi che si manifesta l’intera sensibilità del pittore. In maniera silenziosa Morandi racconta la vita, il trascorrere dei giorni, le concrezioni di vissuto che si annidano sul tavolo della cucina. La quiete della sua vita, trascorsa sempre nella casa bolognese con le sorelle, si rispecchia nelle sue opere, mai chiassose. Gli oggetti di Morandi, sebbene mai minuziosamente riprodotti, risultano verosimili e concreti, e sono i veri protagonisti delle sue tele, investiti di una sorta di monumentalità. Morandi espone frequentemente all’estero e gode del favore dei più esclusivi ambienti internazionali dove riceve anche prestigiosi riconoscimenti quali il primo premio alla Biennale di San Paolo del Brasile, nel 1957.

Il percorso artistico di Rosai è segnato da una forte passione per la pittura che egli porta avanti nonostante le numerose avversità e i problemi economici che coinvolgono la sua famiglia. Quello di Ottone Rosai può essere definito un primitivismo di matrice umanistica toscana, che prende spunto dalla pittura del Trecento e Quattrocento. Con la sua arte Rosai racconta la quotidianità della sua città, Firenze, dei mercati e delle bettole, e dei soggetti che le popolano. Non c’è banalità o ingenuità nella realtà di Rosai, ma veridicità delle classi popolari tratteggiate con la pietas di chi vuole raccontare un’umanità umile ma fiera. Alla raffigurazione di quelli che lui definisce “omini” si affiancano le vedute delle colline toscane, che immortalano la Firenze nei primi decenni del secolo. L’assetto pittorico di Rosai risente delle opere di Cézanne e anticipa il “ritorno all’ordine”, guardando alla tradizione di Masaccio e Paolo Uccello.

Pseudonimo di Andrea Francesco Alberto de Chirico, Savinio è uno dei protagonisti dell’arte italiana tra le due Guerre. La sua arte, dallo spiccato sentimento onirico e fantastico, si interseca con la tradizione classica, greca e mediterranea. Nascono da questo incontro opere ironiche, con riferimenti all’infanzia e al mondo fantasioso dei bambini.  Figure umane con teste zoomorfe appaiono nelle sue tele insieme a riferimenti alla sua infanzia in Grecia. Gli oggetti diventano giganteschi, non obbediscono a un ordine prospettico e ad una gerarchia volumetrica. Musicista e illustratore, Savinio collabora anche con giornali e riviste oltre a realizzare molti allestimenti teatrali come coreografo e scenografo di opere liriche, sia per il Teatro della Scala che per il Maggio Musicale Fiorentino.

La produzione artistica di Pascale Marthine Tayou è eclettica ed eterogenea, in continua mutazione e evoluzione. La ricerca dell’artista camerunense, condotta durante i suoi viaggi da una parte all’altra del mondo, trova fondamento nell’analisi dell’identità sia essa culturale – attraverso il ricorso a una gamma cromatica che ci ricorda i paesaggi africani – sia individuale, come rivela la scelta di assumere come nome d’arte quello composto dal cognome del padre “Pascal” trasformato al femminile con l’aggiunta di una “e”, e il nome della madre “Martine” a cui aggiunge una “h” per renderlo più personale. Le sue opere, siano esse sculture, installazioni o video si interrogano sul tema della mediazione geografica e politica, sui viaggi, visti come mezzo di conoscenza di sé e di cambiamento che supera l’idea di confine. Pascale Marthine Tayou ha partecipato a Documenta a Kassel nel 2002 e alla Biennale Arte di Venezia nel 2005 e nel 2009; recentemente ha realizzato un’imponente opera di arte pubblica per il MAXXI di Roma, quale omaggio alla città da cui partono tutte le strade che abbracciano la terra.

Andy Warhol è considerato a pieno titolo uno dei più grandi geni artistici del suo secolo. Padre della Pop Art incarna l’atmosfera dell’America del boom economico post bellico, portando al centro della scena artistica oggetti di uso comune e quotidiano. Divengono celebri i barattoli di latta della zuppa Campbell o la scatola del detersivo Brillo, che egli riproduce in maniera seriale. Attraverso le sue raffigurazioni la scena dell’arte viene invasa da immagini pubblicitarie e dai volti delle icone del cinema e della società: da Marilyn Monroe a Liz Taylor, da Jackie Kennedy a Man Ray. I ritratti riprodotti in serie smarginano e sbiadiscono nel processo di stampa, i colori fuoriescono dai contorni e si deteriorano. Con Warhol la produzione artistica si crea all’interno di una vera e propria Factory – un luogo che riassume lo spirito delle antiche botteghe d’arte con una vera e propria fabbrica industriale – dove egli lavora con i suoi collaboratori. La sua produzione è conosciuta in tutto il mondo e lo ha reso una vera icona di stile degli anni ’60 e ’70.

Artista e attivista cinese, Ai Weiwei studia negli Stati Uniti per poi tornare in patria dove avvia la sua carriera come artista concettuale. Figura poliedrica, è infatti anche architetto, designer e regista, e utilizza la sua arte come manifesto per supportare gli oppressi, unendo l’attivismo per i diritti umani e alla volontà di raccontare la storia del suo Paese.  La denuncia politica attraverso la sua arte gli ha causato numerosi problemi legali in Cina; il suo studio a Shanghai è stato infatti fu demolito dalle autorità locali ed egli stesso detenuto per oltre 80 giorni. Durante l’arresto numerose istituzioni culturali internazionali hanno avviato petizioni in suo favore e la sua battaglia per i diritti umani in favore della libertà di espressione in Cina ha avuto un’eco internazionale. Le sue opere sono state esposte in tutto il mondo.